El dibujo artístico es una técnica de
representación gráfica bidimensional de aquello que el ojo humano percibe de
forma tridimensional.
Se realiza a partir de diferentes técnicas; es
el lenguaje de las formas superando las barreras idiomáticas y sirve para
expresar de manera visual las ideas.
PROCESO: se realiza a partir de diferentes
técnicas; es el lenguaje de las formas superando las barreras idiomáticas y
sirve para expresar de manera visual las ideas.
1er Paso:
oSe procede a subdividirla la superficie de la
figura modelo, trazando un cuadriculado de líneas paralelas, horizontales y
verticales.
oLos cuadrados deben ser exactamente iguales y
tener el mismo ancho y alto. A continuación, se dibuja el cuadriculado ampliado
en proporción con el que encierra el modelo.
2do Paso:
oCon esta guía, se dibuja a pulso en los
cuadrados grandes el contenido en los cuadrados pequeños, hasta que quede
completada la figura.
oDe esta manera se evitan las desproporciones en
los dibujos que deben ser ampliados.
Emplean este sistema los dibujantes de retratos
al lápiz carbón, partiendo de pequeñas fotografías, los pintores de grandes
carteles en la vía publica, y en general todos aquellos dibujantes que pueden
aprovechar el sistema para acelerar el trabajo comercial.
Es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos en un todo
unificado. Manipulando diversos materiales utilizados como materia prima tales
como periódicos viejos, revistas, papeles de colores, fragmentos de fotos,
telas, materiales sólidos, pintura acumulada y disponerlos sobre un espacio
plano y en un cierto orden es el objetivo perseguido. A través del manejo de
estos materiales se logra como resultado la creación de una composición
original e imaginativa.
Tiene su
Origen en China, pero es a principios del Siglo XX cuando lo encontramos
convertido en una práctica artística de relevancia resultado de las
investigaciones de los cubistas Braque, Gris y Picasso.
Surge en
el cubismo, por la necesidad que sentían estos artistas de reestructurar el
espacio pictórico. Pero es una práctica que se extiende hasta nuestros días
como uno de los grandes aportes del cubismo al arte de las vanguardias. Entre
los artistas más representativos que han usado esta técnica podemos citar a Max
Ernst, Juan Gris, Schwitters, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray.
El
collage forma parte de las expresiones más significativas del siglo XX y su
impronta puede apreciarse en las expresiones artísticas posteriores. Su
prestigio y relevancia para las artes plásticas son incuestionables.
Características del arte collage
El Collage fue implementado en diferentes movimientos y
campos.
Elaboración
de un collage: Dependerá del color y tipo de papel
(liso o texturizado), así como la forma; en un collage podemos integrar
imágenes, fotografías, dibujos e incluso recortes de periódicos o
revistas; mismos que pueden ser unidos con pegamento, hilo, grapas o
enmarcados con cristal o recuadros que permite reunirlos y poder
visualizarlos.
Clase
de papel: En un collage, podemos usar
distintos tipos de papel como lo es el carboncillo, arrugado, papel blanco
o de colores, papel decorado, papel texturizado, revistas, periódicos,
carteles, entre otros.
Elementos
sólidos: para realizar un collage dentro de
la escultura y la pintura, se puede implementar listones, madera, telas,
hilos, metales, pedazos de cristal, utensilios de cocina, entre otros.
Elementos
líquidos: Un collage de pintura, presenta
relieve derivado de la acumulación de pintura aplicada en gran cantidad,
la cual es superpuesta creando relieves en la obra, adicional a ello la
pintura puede incluir arena, madera, plástico, y otros elementos para la
diversidad de texturas y piezas.
¿Te gustaría descubrir algunos de los pigmentos más fascinantes?
En este vídeo realizamos un repaso a los componentes de la pintura,
sus propiedades, características y algunos de los pigmentos más curiosos
utilizado durante siglos por los artistas de todo el mundo .
Hoy es fácil conseguir todo tipo de pintura, pero hace unos 500 años la cosa no era tan fácil. Los artistas debían elaborar sus propias pinturas y para ello utilizaban tres componentes: el pigmento, el aglutinante y el disolvente.
¡Prestemos atención al siguiente video!
👇A continuación un pequeño experimento!
¡¡ Te invito a experimentar con la variedad de pigmentos !!
La
percepción que tiene el ojo humano de un color y cómo lo interpreta, basado
en la sensación que éste le produce, es lo que permite diferenciar
a un color cálido de uno frío.
Según
esto, las sensaciones térmicas respecto a la calidez o frialdad de un color son
subjetiva. Por esta razón, se han realizado diversos estudios para determinar
cuáles colores pueden clasificarse como fríos o cálidos, tomando en cuenta las
reacciones más comunes que provocan en las personas.
En el
círculo cromático se pueden identificar los colores cálidos y fríos al
dividirlo en dos partes simétricas opuestas, así se pueden observar los colores
cálidos, que van desde el amarillo hasta el morado, y los fríos, que van desde
los verdes hasta el violeta.
A través
de los colores se pueden transmitir diferentes emociones y sensaciones, por lo
que tienen un papel fundamental en el diseño, la decoración, las artes y la
publicidad.
Tanto los
diseñadores como los publicistas utilizan la psicología del color para
provocar determinadas reacciones y estados de ánimo.
Concepto
y definición del color a lo largo de la historia
El color
ha sido estudiado, por científicos, físicos, filósofos y artistas. Cada uno en
su campo llegó a diversas conclusiones que, en ocasiones, fueron buenos puntos
de partida para posteriores estudios y para todo lo que hoy sabemos del color.
Hace, al
menos, 35.000 años que nos expresamos mediante colores. Nuestros antepasados se
maquillaban y decoraban sus cuevas. En las pinturas rupestres se usaban pocos
colores: rojos, ocres y negros, que se obtenían de carbón vegetal y algunos
minerales, mezclados con grasa animal o resinas vegetales.
El color,
como tal, no existe, solo es una percepción, la interpretación que el cerebro
hace de las señales nerviosas que le envían los ojos. El cerebro
"sabe" colorear y, por eso, vemos el mundo de colores. Aristóteles sentenció que
todos los colores se forman con la mezcla de cuatro básicos. Eran los colores
de la tierra, el fuego, el agua y el cielo, es decir, los
elementos químicos de la antigüedad. Además, otorgó un papel
fundamental a la incidencia de luz sobre los objetos.
Según Sir
Isaac Newton, es una sensación que se produce en respuesta a
una estimulación nerviosa del ojo. Este estímulo es causado por los rayos de
luz y por las longitudes de onda que lo componen.
Cualquier
superficie iluminada absorbe unas ondas de la luz y refleja otras. El ojo (en
realidad, "los bastones y conos de la retina") capta esas ondas
reflejadas y las envía al cerebro, que interpreta cada longitud de onda como un
color distinto. Pero el ojo sólo es capaz de percibir colores a partir de
cierta cantidad de luz. Por debajo de esa intensidad solo distingue monocromo,
o nada.
En
el Renacimiento, Leonardo Da Vinci definió al color
como algo propio de la materia. Confeccionó la siguiente escala de colores
básicos: primero el blanco como el principal, ya que permite recibir a todos
los demás colores; después el amarillo para la tierra, verde agua, azul cielo y
rojo fuego. Por último, el negro para la oscuridad, ya que es el color que nos
priva de verlos a todos. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los
demás, aunque también observó que el verde podía surgir de una mezcla. Habla
por primera vez en la historia de los colores primarios y secundarios.
La
interpretación del color es parte de nuestro sentido de la vista y, como tal,
único y particular. Al no existir ojos ni cerebros iguales, cada ser humano ve
los colores de un modo diferente, aunque muy similar si no sufre ninguna
anomalía de la visión.
El físico y matemático
ingles Isaac Newton dio un paso
decisivo en la historia del color y estableció un principio hasta hoy aceptado:
la luz es color. En 1665 Newton fue quien descubrió que la luz del sol, al
pasar a través de un prisma, se divide en varios colores. Descubrió la
descomposición de la luz en los colores del espectro cromático.
Estos colores son el azul violáceo, el azul celeste, el verde, el amarillo, el
rojo anaranjado y el rojo púrpura.
Podemos
observar este fenómeno cuando la luz se refracta en el borde de un cristal o de
un plástico. También cuando llueve y algunos rayos de sol atraviesan las nubes,
las gotas de agua cumplen la misma función que el prisma de Newton y
descomponen la luz produciendo lo que llamamos Arcoíris. Observó que la
luz natural está formada por luces de seis colores. Cuando incide sobre un
objeto, este absorbe algunos colores y refleja otros. Con esta observación dio
lugar al siguiente principio: todos los cuerpos opacos al ser iluminados
reflejan todos o parte de los componentes de la luz que reciben.
Por otra
parte, el escritor alemán Johann Goethe estudió y probó
las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la
exposición a los diferentes colores y su manera de reaccionar ante ellos. Su
investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un
triángulo con tres colores primarios, rojo, amarillo y azul, y relacionó a cada
color con ciertas emociones. La historia del color había encontrado, por fin,
su punto de conexión con el alma humana.
La
realidad es que el color es una percepción y depende directamente de sus tres
dimensiones físicas para poder verlos. Estas dimensiones son la saturación, la
brillantez y el tono.
El círculo cromático,
también llamado a veces rueda de colores no es más que una
representación gráfica de los colores en que se descompone la luz natural.
Puede ser un círculo que represente sólo los colores primarios, o pueden
sumársele los secundarios y los terciarios. En este círculo no aparecen el
blanco y el negro. El blanco sería la suma de los tres colores primarios de la
luz y el negro la total oscuridad. Si trabajamos con pigmentos, la suma de los
tres primarios daría el negro (teórico, más bien un gris oscuro, por eso el
modelo CMYK incluye tinta negra), mientras que el blanco sería la ausencia
total de pigmentos. Si se mezclan tintas o pinturas blancas y negras con distintas
intensidades se forma una escala de grises.
El origen de los
millones de colores que podemos ver son los que conocemos como Colores
Primarios, o primitivos. Estos son los que no pueden conseguirse a través
de la suma o mezcla de otros colores. En realidad, es un modelo ideal basado en
la percepción del ojo humano, pero nos sirve para entendernos. El Rojo, el
Amarillo y el Azul aparecen en el círculo cromático clásico de pigmentos
naturales, la llamada coloración tradicional. Por otro lado, los Colores
Secundarios son los que se forman con la mezcla de dos colores
primarios. Según el modelo clásico, son el Violeta, el Verde y el Naranja.
En estos modelos, los
secundarios de uno son los primarios del otro. Así, por ejemplo, con la luz
roja y la verde al 100% se obtiene la luz amarilla, mientras que con la tinta
amarilla y la magenta se obtiene el pigmento rojo. Además, los colores
terciarios son aquellos que surgen de la combinación de un color
primario con otro secundario. Esto da lugar a distintas variedades de tonos que
van desde el rojo violáceo, el rojo anaranjado, al amarillo anaranjado, pasando
por el amarillo verdoso, el azul verdoso y el azul violáceo.
1)💪Realizar
un resumen del tema expuesto “el color”.
2)👍Armar una definición de color teniendo en
cuenta las aportaciones de los autores.
3)¿Qué
grupos de colores encontramos en el circulo cromático?
4)¿Qué
colores no se encuentran en el circulo cromático?
5)¿De
qué depende la percepción del color?
6) 👍Graficar
(en la hoja blanca; pueden usar acrílicos, temperas y/o lápices de colores), los
grupos de colores en el circulo cromático: primarios, secundarios y terciarios.
El volumen es un aspecto del espacio tridimensional y en plástica se
refiere a la apariencia visual de los cuerpos bajo diferentes calidades de
iluminación.
Para representar plásticamente cualquier cuerpo con volumen se utilizan
técnicas como la fotografía, el dibujo, la pintura, o la escultura entre otros,
pero es la escultura la que define en infinitos puntos de vista un cuerpo
tridimensional.
Existen otros sistemas de representación más objetivos para la representación de volúmenes con los que puede ser construido un cuerpo fielmente en el espacio tridimensional real. Son los sistemas de representación: sistema diédrico, perspectiva axonométrica, caballera y perspectiva cónica; los cuales veremos más adelante.
El ilustrador holandés Ramón Bruin crea increíbles ilusiones ópticas en
3D con la única ayuda de un lapicero normal y papel.
Ramón Bruin dice: «Me concentro en el contraste y el equilibrio dentro
del caos del color.» es un artista experimentado de los Países Bajos cuyas
pinturas se han presentado en exposiciones individuales y colectivas a nivel
internacional. Trabajando en los estilos de expresionismo abstracto y arte pop,
él crea pinturas vibrantes en técnicas mixtas que enfatizan los contrastes
entre colores y formas. Añade un ligero sentido del humor a sus obras de arte,
con la esperanza de alegrar a los espectadores.
ü👇A continuación,
algunos ejemplos del artista para que tengas en cuenta a la hora de crear tu
propia obra:
• Que puedan
observar con atención obras de distintos artistas, además que
identifiquen líneas y planos y, por último, animarse a crear sus propias obras
de arte a partir del uso de líneas y planos.
Historia
del Arte: LÍNEAS Y PLANOS
Vasili Kandinsky establece
el punto, la línea y el plano como los elementos básicos que hacen posible una
composición visual. La línea es entendida por Kandinsky como el trazado que
describe un punto al desplazarse; el plano es una superficie que resulta del
cruce de diversas líneas.
La línea y el plano son
también el fundamento de las creaciones de Víctor Vasarely. Un patrón
geométrico repetido y alterado produce un efecto óptico de volumen y de
movimiento.
En 1929 Miró realiza unos
cuantos collages con papeles de uso corriente. Las líneas, muy delicadas,
contrastan con planos de colores muy austeros intencionadamente mal recortados.
Una singularidad del estilo de Miró son las intersecciones de formas que
generan planos de colores puros. Estos cruces presentan a menudo un aspecto de
mosaico o de ajedrezado. En los años sesenta, la gestualidad domina gran parte
de la obra de Miró. Las líneas (anteriormente finas y bien definidas) son ahora
trazos gruesos y espontáneos.
¿EN QUÉ CONSISTE LA ACTIVIDAD?
a)👉En
un primer momento deberán elegir una imagen, observarla atentamente e
identificar en ella una serie de planos y líneas (recortar y pegar debajo de la
teoría). Marcar con fibras o lapiceras de colores, las líneas y planos que
encuentres en ella.
a)👉En segundo
momento deberán elaborar una composición a partir del uso de diferentes tipos
de planos y líneas. Pueden usarlos libremente como se expresan en las obras de
los artistas aquí mencionados; modificar su tamaño y su posición ¿se animan?
b) ✋No es necesario el marco en la hoja, pero si desean una obra más prolija,
les paso las medidas.
c) 📝Para
remarcar las líneas y los planos, usar fibras o lapiceras de colores.
👇A continuación, algunos ejemplos de los artistas antes
mencionados.
Como primer punto aclaro las formas de trabajos que
van a tener; por un lado, utilizaran una carpeta N°5 para los prácticos
(dibujos) y, por otro, la teoría en hojas rayadas. Ustedes se organizan de la
forma que le sea más cómodo. Una vez terminada la actividad lo envían a mi
número.
Por último, los criterios de evaluación, teniendo en
cuenta la situación va ser la siguiente: presentación en tiempo y forma de los
trabajos; interpretación de consignas; coherencia en el contenido y prolijidad;
¡no se olviden respetar la clasificación de las palabras según su acentuación!
Siiii es fundamental.
Teoría (pasar
a la carpeta)
UNIDAD I: Elementos del lenguaje visual
1)El Punto.
2)La Línea.
3)El Plano.
4)El Volumen.
5)Formas graficas.
üBidimensional
y tridimensional.
6)Circulo Cromático.
üColores
primarios, secundarios y terciarios.
7)Colores Cálidos y Fríos.
8)Circulo Acromático.
üColores
neutros.
9)Historia del Arte.
Lenguaje
Visual
¿De qué hablamos cuando hablamos de lenguaje visual?
Es el sistema de comunicación para transmitir
mensajes que utilizan las imágenes y está constituido por diversos elementos,
como la línea, la forma, el color, la textura, entre otros.
Son aquellos que permiten, por un lado, emitir
mensajes por medio de imágenes y, por otro, comprenderlos.
Los elementos visuales, junto con la composición (o
formas de organizarlos y estructurarlos), forman el código que manejamos para
poder transmitir-recibir un mensaje, ideas, sensaciones y emociones.
Los elementos básicos son:
üEl
punto
üLa
línea
üEl
plano
üEl
volumen
üLa
forma
üEl
color
üLa
textura
📝¡A
tomar nota!
a)¿Qué nos dice sobre el punto? ¿Por qué
es adimensional? ¿Qué señala el punto, para Kandinski?
b)¿Por qué dice Vasili que la línea es
unidimensional? ¿Cómo clasifica el Artista, a la línea? Ilustrar. ¿Para qué
sirve la línea?
c)¿Cómo lo define al plano? ¿Por qué se
caracteriza? ¿Qué posee el plano? ¿Cuál es una de su principal función?
d)¿Cómo se forma el volumen? ¿Por qué es
tridimensional?
📝Tomando en cuenta parte de la teoría, de los Elementos
del lenguaje visual realizar la siguiente actividad.
👉Confeccionar
una obra, utilizando la creatividad (la imagen que más te guste).
·Tema: El Punto
·Técnica: Fibras (en caso de que no
tengan usar lápices de colores).
La Educación Artística, es una construcción poética y simbólica que atiende a procesos y conocimientos comunes que traspasan a todos los lenguajes y disciplinas a todos los lenguajes y disciplinas artísticas donde intervienen la producción y la interpretación. Desde este posicionamiento el estudiante debe aprender las practicas y las configuraciones conceptuales que caracterizan la poética de cada lenguaje artístico. Este espacio se enriquece con extensiones y proyecciones hacia y desde otros campos recuperando contenidos de una diversidad de disciplinas, favoreciendo la integración y complementación de áreas del saber diferentes.
